Jag har haft samma problem, men jag lyckades bli mest av med det.

Mitt första steg var att kunna acceptera min stil, när du spelar måste du veta att du kommer inte att spela den musik du lyssnar på, och om du inte är van vid tanken kan det få dig att tycka att det är dåligt bara för att det inte låter som det du tycker om att lyssna på.

Mitt andra steg var att spela in mig själv och ta en vana att göra en analys av vad jag spelade, inte för att se om jag spelade bra men mest för att förbättra låtskrivningen, och hur jag kan ha gjort en del bättre bara genom att ändra hur det är spelade.

Det tredje steget var att acceptera de misstag jag kan göra när jag spelade, och inte göra en stor sak av det, att spela bra måste du spela avslappnad.

Att spela med andra människor kan också vara inspirerande och kan hjälpa dig att gilla din egen stil när du hör den som en del av en helhet.

Bristen på skicklighet är inte problemet, det du först bör förbättra är din känsla, när du gillar åtminstone obj ectively vad du gör kan du hitta mer nöje med att improvisera och sedan förbättra dina färdigheter.

Jag beundrar din hängivenhet för att arbeta med dina improvisationsförmågor men tror att dina spelfärdigheter kanske inte är ditt primära problem.

De av oss som skriver (författare, inte kompositörer) kan stöta på samma problem där om vårt första utkast inte är bra, överger vi historien eller idén.

Det bästa rådet jag har fått är att bara skriva något. Det är mycket bättre att låta idén leva tillräckligt länge för att överleva ett försök att redigera den eller till och med låta dig gå bort från den en dag innan du dödar den. förbättra din redan inate talang för att föreställa dig musiken i ditt huvud.

Lycka till med att du skriver!

Öva

Öva är inte att lyssna på musik. Ja, du måste lyssna medan du tränar, men du gör det uttryckligen för att att upptäcka misstag och inkonsekvenser så att du kan korrigera dem. Du kan inte förvänta dig att kunna spela för att njuta av att lyssna utan att först lära dig att spela!

Metod

Improvisation är alltid bra, speciellt om du spelar det du hör i din head (i motsats till att spela och då höra vad du spelade). Om du har en obalans mellan huvudkreativitet och fysisk teknik, bör du verkligen arbeta med att regera i din improvisationshuvudkreativitet till den plats där det är inom din zon för proximal utveckling för din fysiska teknik. När du väl vet var den zonen är kan du göra en plan för att utöka din fysiska teknik till den punkt där den är mer synkroniserad med din huvudkreativitet. Det är här som verklig övning spelar in - min interna monolog kanske låter som:

Okej, jag hör ett rif i mitt huvud som jag inte kan spela omedelbart, men jag kan transkribera det och spela det efter några minuters övning. Nu, låt oss göra det till en idéfix, spela det om och om igen i olika rytmer, gör sedan detsamma i alla 12 tangenterna, spela det sedan i några olika lägen, vänd sedan upp det och ordna sedan tonhöjden ...

Det finns många möjligheter där. Du behöver inte göra dem alla, men de som verkar vara användbara och relevanta för din huvudmusik kan ge dig timmar av övning som kommer att utveckla teknik som du inte hade tidigare.

Effektivitet i träning

Förstå att din musikaliska hjärna består av all den musik du någonsin har hört innan du remixas och påverkas av andra icke-musikaliska stimuli. Detta innebär att musik du kommer upp i ditt huvud har rötter i och delad teknik med befintliga litteraturstycken.

Det är här notationen kommer till nytta (och jag ser att du nämnde att du spelade mest efter örat, men bär med mig) - du kan använda de befintliga musikstyckena för att utveckla den teknik du behöver för att spela musik som ditt eget huvud kommer med. Identifiera vilken litteratur som påverkar ditt kreativa sinne och lär dig sedan att spela det! Alternativet till att lära av befintlig not är att lära sig efter transkribering av allt - antingen genom att faktiskt skriva ner musiken innan den spelas eller genom att spela den med örat. Transkribering är en oerhört värdefull färdighet, men när du gör det spenderar du tid på att träna örat för att räkna ut den bit som du kan ägna åt att utveckla tekniken för att spela stycket. Om du vill träna mer effektivt måste du räkna ut den rätta balansen för vad du vill uppnå.

Det är av den anledningen att lära sig att läsa musik är en nödvändig färdighet för att spela virtuos på den västerländska klassiska traditionen. Undantag kan göras för vissa traditioner som förts över ljudet; du hittar några fantastiska jazz- och folkmusiker med talang på virtuos nivå, men dessa traditioner är inte beroende av noter i första hand, AND i nästan alla fall är det människor vars kreativa sinnen har vuxit upp i synk med deras teknik. För oss måste vi vara lite mer strategiska.

Att komponera

Att komponera musik är bra, men det kan vara en skrämmande uppgift. Det finns viss visdom att bara lägga in timmarna - även om du spenderar en timme om dagen på att skriva motiv på pappersklipp som du slutar kasta bort eller aldrig använda, det är fortfarande något. Att skriva massor av små bitar kommer att gynna dig mycket mer än att spendera samma tid på en stor bit. Särskilt om du har problem med att bara skaffa dig något måste du se till att du ställer in dina kompositionsmål så uppnåbara som möjligt och ge dig själv STRENGA RIKTLINJER och begränsningar för din kompositionsprocess.

En av mina lärare sa en gång till mig att kreativitet inte kommer från fullständig frihet, utan kommer från gränser . Det tog mig LÅNG tid att inse att hon hade rätt, men poängen är om du ger dig själv några artificiella regler att följa, till exempel:

• Komponera åtta musikstänger på 4/4 tid med bara noterna i D-dur och relaterade sekundära dominerande.
• Skriv en 16-staplad tvådelad uppfinning i stil med Bach.
• Skriv 32 musikstaplar baserade helt på en tre notera tema xy z.

... eller till och med ...

• Skriv 3 staplar musik som enbart består av rytmer och artikulationer på tonhöjd A4 med en tydlig början, mitten och slut.

... då hittar du sätt att vara kreativa inom dessa begränsningar, och samma begränsningar gör det lättare att faktiskt avsluta bitar. Begränsningarna ovan utgjorde jag från toppen av mitt huvud, men jag listar nedan några specifika kompositionsövningar som mina lärare har tilldelat som kan vara användbara:

• Arranger "Hark, the Herald Angels Sjung "för solo piano genom att återharmonisera.
• Få ett ark med personalpapper som är tomt förutom den första musikstaven som du har fått. Du måste fylla resten av sidan. Du har 40 minuter.
• Ange texten i en dikt som du väljer som en konstsång. (Den här är trevlig om du har problem med att bestämma kompositionernas stimulering, eftersom det kommer att bestämmas för dig av texten.)

Så, ovanstående fungerar inte för alla, men förhoppningsvis kommer det att ge eftertanke om några av de ämnen du nämnde. I grund och botten, bli inte avskräckt genom att uppfatta dig själv som saknar teknik, istället bli motiverad att utveckla den tekniken så att du kan använda den! Och, som Steve Vai har varit känd för att säga ibland:

"Om du vill spela något som du inte kan, du måste se och höra dig själv göra det i ditt sinnes öga. Det kommer att börja hända. "

För att parafrasera: om du kan visualisera dig själv som spelar / improviserar / komponerar som du vill och med den anläggning du önskar, har du redan tagit det första steget för att uppnå det målet.

För egentlig komponering kanske du vill dike DAW till förmån för en liten anteckningsbok med personalsidor. När du improviserar ett trevligt riff eller melodiskt fragment, skriv ner det innan du improviserar på det för mycket.

De flesta av mina sidor har bara några (2, 4, 8) mått på melodi och rytm. Men det stora är när du behöver en melodisk eller rytmisk idé, kan du låna från ditt förflutna jag. Om du behöver en upptagen synkopierad vänster rytm kan du bara skanna strålarna för ett mått med många linjer. Om du behöver en söt melodi med ett tidigt hopp och om du har gjort det flitigt i några månader har du förmodligen en.

Medan datorn är ett utmärkt verktyg i förverkliga ditt arbete; för lagring av musikaliska idéer är penna och papper fortfarande toppar.

Detta kan också hjälpa till att fokusera dina improvisationssessioner. Ibland vill du komma med en hel låt; ibland behöver du bara något som är värt att komma ihåg (för att utvecklas senare).

Jag tror att du kan hållas tillbaka av ditt fokus på improvisation: en av de underbara sakerna med komposition är förmågan att gå tillbaka och revidera redan skrivet material. Överväg att prova traditionell notation eller tänka på dina inspelningar som grova utkast som du sedan redigerar långsamt i en sequencer - det är orimligt att förvänta sig att ett stort musikverk kommer från dina fingrar utan revision.

Precis som en skulptör först formar leran i en allmän form, sedan förfinas den, lägger sedan till slutliga detaljer, du måste lära dig att den viktigaste delen av musiksammansättningen inte är att det du har är fantastiskt ... det viktigaste är att ditt stycke blir mer fantastiskt varje gång du redigerar det. Att ha den rätta "banan" kommer i slutändan att ge bättre arbete än ett exceptionellt första utkast.

När sett i detta nya sammanhang blir dina höga standarder en tillgång snarare än en irritation - de hjälper dig att veta vad du ska redigera och hjälper dig att fortsätta redigera tills du har något du älskar.