På praktisk nivå kan kunskap om någon teori vara användbart för en kompositör under vissa omständigheter.

Först är när en komposition inte är så intressant som kompositören vill att den ska vara. Han / hon skulle vilja framkalla något annorlunda än vad musiken inspirerar i det skede av kompositionen. Undersöka melodin för hur den överensstämmer med standardskalor, undersöka harmonin för att upptäcka huruvida den känns gömd för förutsägbara mönster och progressioner och sedan fundera på hur man blandar den med skiftningar i nyckelkänsla, introducerar vissa oavsiktliga - allt detta kan användbart, och jag kan intyga det från personlig erfarenhet.

För det andra är när man har komponerat en passage, och harmonin är inte uppenbar. Att analysera förhållandet mellan en melodisk passage och alla möjliga sätt att harmonisera (ligger den i en standardtriad? Kan det vara en oavsiktlig?) Kan intressant informeras av teoretisk kunskap.

Jag gillar att tänk på teori och komposition som har en liknande relation till den mellan kompositionen av poesi å ena sidan och rim, mätare eller annan hantverkscentrerad kunskap å andra sidan: Det kan vara en begränsning att skicka kompositören ner en väl sliten kanal till en banal destination, eller det kan vara en anledning till kreativitet som lyfter en ur ett spår.

Naturligtvis kan den aldrig ersätta den uppfinningsrikedom som kompositionen kräver av dess utövare. Det är därför kompositörer med enorm prestation har klarat sig utan sådan kunskap och ändå utmärkt.

Det är snarare som språk. Att behandla reglerna som receptbelagda gör att du alltid kan förstås allmänt (eller komponera något som inte irriterar). Du måste förstå reglerna för att veta när det är OK att bryta dem, även om du av misstag skulle kunna bryta dem och ändå göra en begriplig mening (eller tilltalande melodi) utan att veta varför.

Eftersom reglerna är faktiskt beskrivande och involverar ofta naturlagar (dvs. matematiken bakom musiken), kan musik komma helt naturligt för människor. Som de andra svaren säger följer kompositörer som har liten kunskap om teori fortfarande omedvetet många regler. (Eller, mer exakt, reglerna beskriver dem redan.)

Oavsett om du kommer fram till din komposition "naturligt" eller från någon planerad process spelar det ingen roll om du / andra gillar det. (Naturligtvis är det helt giltigt att även målmedvetet komponera obehagliga verk.) Båda är effektiva metoder för olika människor, men ingen av dem står ensamma. Att följa reglerna fungerar bara i kombination med någon form av melodi eller önskat ljud redan, eftersom annars skulle du bara kasta ut samma sak varje gång. Omvänt kan du inte komponera utan några regler eftersom många av dem redan är inbyggda i din hjärna, och våra hjärnor är det som definierar "musik" i första hand.

För det första är uppfattningen att du kan skriva mer fritt om du "inte känner till reglerna" en olycklig misstag. När jag hör gitarrspelare säga att de undviker inlärningsteori eller hur man läser noter eftersom det kommer att "kväva deras kreativitet" tror jag, "killar, du försöker springa ett maraton med ett båtankare fastspänt på din fotled."

Funktionell harmoni (västerländsk musikteori) konstruerades empiriskt genom att känna igen de mönster som alla graviterade mot och fånga dem i en beskrivande semantik.

När du komponerar med en bakgrund inom musikteori, har du verktygen för att komponera "med avsikt." Teorin beskriver i huvudsak mönster för spänning och frigöring och mönster för konsonans / dissonans. Musikteori är inte där för att det ska “låta bra”, det är det för att ge dig ett verktyg för att uppnå specifika avsikter.

Allt sagt, det är uppenbart att det finns många låtskrivare som inte har någon formell utbildning för att tala om vem som kommer med underbar musik. Anledningen till att de gör underbar musik kommer från deras underbara sinne, inte av deras okunnighet. De använder faktiskt teori, men det är födt av deras egna känslor och lyssnande.

Teorin är både beskrivande och, i den utsträckning den ger en exakt beskrivning, också lite receptbelagd (men endast i den mån). Det kan vara korrekt att säga att teorin inte ger regler så mycket som tumregler . Vad teorin gör är att tillhandahålla en uppsättning testade lösningar på vanliga problem. Om du i ett stycke skriven i vanlig tonalitet befinner dig vid V / vi som behöver komma tillbaka till I, är chansen bra att dina teorikurser har lärt dig några mycket användbara framsteg att använda för att göra det. Om du i ett tolvtonstycke måste följa med några röster skrivna med en radform med röster med en annan radform utan att åstadkomma några unisoner eller oktaver, ja, du letar upp kombinatoriska rader - saken är ganska enkel.

Problemet med att försöka använda teori för mycket mer än det ligger på två punkter:

• Teorin täcker gemensamhet, vad som händer de flesta gånger i en given situation, vilket är bra om du försöker inte mycket mer än Gebrauchsmusik eller musique d'ameublement . Om du gillar att sätta utmaningar för dig själv kommer du ofta att hitta platser där "reglerna" inte längre gäller nästan så bra. I själva verket uppstod de flesta reglerna när någon var tvungen att skriva något extraordinärt, något som låg utanför den vanliga praxis, på ett sådant sätt att det blev förståeligt för dagens publik - med andra ord att göra en sådan avvikelse. från reglerna som är förenliga med andan i det befintliga musikalspråket, för att göra sådana avvikelser normativa . (Detta är en bra beskrivning av så mycket av Haydns produktion.)
• På grund av detta är teorin reduktiv . På grund av betoning på gemensamhet är teori ibland skyldig att ignorera mycket av det som kännetecknar ett specifikt välgjordt arbete. Sonatform är ett exempel: sonata var inte så mycket en form som ett sätt att arbeta på ett språk som förväntade sig en flytt till en dominerande region, och en upplösning av som rör sig, som en del av dess normala syntax. Ja, du kan ofta hitta första och (ibland "feminina") andra teman, övergångar, fullständiga sammanfattningar, diskursiva "utvecklingsavsnitt", men det var först när språket förändrades så att den dominerande polarisationen förlorade sin kraft som "formen" förenade till vad vi hittar i läroböcker nu. (Se Charles Rosen, "The Classical Style", "The Romantic Generation" och "Sonata Forms". Rosens skrivande om ämnet är fantastiskt.)

Vissa musiker verkar ha en djup teoretisk kunskap, och oavsett vad de skulle säga att deras mentala process är, verkar detta påverka sättet de komponerar, eftersom de inte kan "un-lära sig" vissa mönster. Å andra sidan finns det outbildade musiker som inte vet något om teori och som i någon mening är mer "fria att bryta mot reglerna", eftersom de inte är medvetna om vad reglerna är.

The tidigare är sant i den utsträckning att dessa musiker ser teorin som ett universalmedel, ett slags "silverkula" för att döda komplexiteten som man stöter på när man komponerar musik. Om du är intresserad av att rita ut konsekvenserna av dina musikaliska idéer och göra det på ett språk som är förståeligt, kommer du ofta att känna dig framåt, och dessa allomfattande teoretiska ramar blir i bästa fall vägledning och, i värsta fall skadar. Personligen tycker jag att ju äldre jag blir, ju mindre jag vet med säkerhet, desto mer kontigenta blir mina idéer om teori.

När det gäller outbildade musiker lyckas de ofta i den utsträckning de har internaliserat det rådande musikalspråket, eftersom de inte lever i ett musikaliskt vakuum. Men när du har en autodidakt som Mussorgsky, som försökte en syntes av klassiska och ryska folktraditioner medan han undvek "bokinlärning", kan du ibland hitta en sådan person som har tillfälliga problem som tillräckligt förmedlar sina idéer (och, i fallet med Mussorgsky, det ledde till att många människor, rätt eller fel, kände ett starkt behov av att redigera sitt arbete). En kunskap om teori låter dig ibland hitta lösningar på de specifika problemen omedelbart till hands i analogi med befintliga lösningar på vanliga problem.

I matematik ska du kunna 1 + 1 = 2. Du behöver inte kunna matematik på ett formellt sätt för att veta när du har två äpplen. När matematik blir mer tekniskt är allmän kunskap mindre likvärdig, även om den fortfarande är relevant (vad krävs det för att lämna planetens yta, eller vad är det sammansatta intresset för ditt konto under de kommande 6 åren?)

Jag vet att musik inte är matematik, men det liknar på det här sättet: Du behöver inte kunna musikteori för att skriva ett enkelt musikstycke som följer reglerna. Du måste känna till reglerna för att uppnå ett komplext musikaliskt arbete som ansluter till den vanliga musikaliska grammatiken. Den goda nyheten är att enkel musik ofta kan låta riktigt bra. Det förnekar inte den rikedom som finns i djupare studier av musikteori.

Vissa kan också internalisera många av reglerna för musik i vanligt bruk genom att lyssna. Detta motsvarar grammatik. En person kan följa reglerna för vanligt bruk i grammatik utan att någonsin gå till en engelskkurs och utan att ens tänka på det medvetet. Detta betyder inte att det är värdelöst att delta i en engelskkurs, vad det betyder är att det är möjligt för vissa att följa reglerna utan den.

Att förstå musikteori ger dig möjlighet att diskutera reglerna i ett forum som detta, och studera och undersöka dem vidare och hitta svar på frågor. Det ger dig en större djupare värld att dra nytta av och en syn på standarder som redan har ställts.

Det är svårare att bryta mot reglerna om du inte vet vad de är. När jag var ung skrev jag bitar som var avsedda att bryta mot reglerna, men eftersom jag inte kände till reglerna bröts inga regler som jag tänkte bryta.

Jag tror inte att du skulle lära dig obrytbara mönster som håller fast vid dig för alltid, såvida det inte visar sig att du gillar dessa mönster och vill fortsätta med dem på någon nivå. Vinn: Vinn.

Hur ska teori informera komposition?

Helt.

Å andra sidan finns det outbildade musiker som inte vet något om teori, och som i någon mening är mer "fria att bryta mot reglerna", eftersom de inte är medvetna om vad reglerna är.

Jag hävdar det faktum att bra musiker bryter mot reglerna. Om du bryter mot reglerna bara för att bryta dem kommer det definitivt inte att leda till bra musik. Till och med impressionister som bröt en hel del konventioner gjorde det inte bara för att göra det utan hade bestämda stilidéer som de ville följa.

Det kan finnas musiker som inte har någon utbildning i teori, men tillämpa fortfarande de saker som teorin lär på deras musik (även om de inte är medvetna om det). James Hetfield, till exempel, om han någonsin skulle känna ett behov av att göra teori, skulle omedelbart veta korrekt användning av rytm i melodier. Han är en bra rytmspelare och använder principerna för god rytm i sin musik oavsett om hans utbildning är formell eller inte.

Även om du tänker på impressionister och hur de skapade sin musik fanns det inte ett bra rum för denna typ av musik att utvecklas och växa. Det var genrens stora brist; det saknade det sätt på vilket andra musikaliska epoker / genrer utvecklades, och detta hade mycket att göra med det sätt på vilket det kastade länge hållna konventioner.

Du kan använda teorin för att bilda ett ramverk som ligger till grund för din komposition. Ramverket ger en grundläggande struktur som styr kompositionen, men kompositionens detaljer skiljer den från andra kompositioner, även de som använder samma ramverk.

Som andra har föreslagit är det inte nödvändigt att känna till någon teori alls för att skapa bra musikaliska kompositioner. Musik följer några grundläggande naturlagar som inte bara är medfödda för människor, men vissa studier har till och med föreslagit att växter kan reagera på musik på förutsägbara sätt. Teori är bara ett försök att logiskt förklara varför en del musik låter bra och vissa toner låter bra tillsammans, medan andra inte gör det.

Med detta sagt kan teorin verkligen användas effektivt för, som du säger, informera komposition, om man skulle vilja använda den på detta sätt. Till exempel berättar teorin vilka toner som smälter väl samman för att skapa musik som är behagligt för det mänskliga örat. Så om vi komponerar ett stycke i C-dur vet vi från teorin vilka noter som är tillgängliga för oss om vi vill stanna inom den säkra hamnen för beprövad teori om vilka noter som smälter väl samman i just den nyckeln. Att veta vilka toner som fungerar i vår melodi berättar också för oss utan försök och fel, vilka ackord som kan bildas från tonerna i vår valda nyckel.

Vi kan också tillämpa teori för att bättre framkalla det önskade emotionella svaret på vår komposition. Genom teorin förstår vi att mindre tangenter verkar väcka en mer melankolisk eller sorglig känsla medan stora tangenter väcker en lyckligare känsla.

Om vårt mål är att komponera ett musikstycke som kommer att involvera flera instrument som spelas av olika musiker, kommer det att bli lättare för de andra musikerna att antingen lära sig sina delar, eller följ instinktivt mönstret eftersom det passar inom ramen för musikteorin, som i själva verket bara är en beskrivning av varför en musiker naturligt skulle gravitera mot en viss ton eller ackord eller rytm.

Att låta teorin tillhandahålla ramar som definierar vissa parametrar i kompositionen hjälper till att försäkra att musikerna som måste framföra sin del av kompositionen inte kommer av spår genom att följa sina naturliga instinkter. Det ger dig också en viss säkerhet att det kommer att låta "rätt" och vara tillfredsställande för lyssnaren.

Sammanfattningsvis om vi vill hävda att musikteori ÄR antas att informera komposition, gör det genom att definiera tangenten, tempot, rytmen, tillgängliga toner, tillgängliga ackord och andra parametrar som bäst förmedlar den avsedda känslan eller känslan till lyssnaren på ett tilltalande sätt - samtidigt som de lätt tolkas och utförs av de musiker eller instrument som kompositören vill använda för att återskapa den musikaliska kompositionen.

Du behöver kunskapsteori eftersom:

• Musikkomposition är ett hantverk. Du kan mycket väl göra något intuitivt, men det förändrar inte det faktum att du behöver lära dig hantverket. Oftare har människor en intuition för melodi och harmoni men de har sällan intuition för form, och form är egentligen komposition. Utan form är din musik i bästa fall ljuddesign och i värsta fall en blob av osammanhängande ljud. Inlärningsteori kan göra din musik mer sammanhängande och lyssnande. Det kanske inte, men det kan det.
• Musikteori ger dig medvetenhet om vad du gör, så att du inte naivt tror att du precis har gjort något som ingen annan har gjort tidigare.

Att inte känna till reglerna ger dig inte automatiskt en fördel, det är inte heller vetenskapsteori. Vad som ger dig en fördel är hårt arbete och lite talang.

Jag kommer att säga några kättare tankar och tänka som har rätt att göra det eftersom jag redan har presenterat fungerande radikalt nytt musiksystem som är ganska verk helt från början och inte behöver samtida musikteori. ( http://home.arcor.de/yuri.vilenkin/new-music-atoms.html http://www.youngcomposers.com/forum/t33636/the-new-structure-of- muscal-note / http://forum.emusictheory.com/read.php?5,16533).

Naturligtvis betyder det inte att det är möjligt alternativ gör oviktiga kunskaper om etablerad musikteori eftersom det är nödvändigt för inlärning och förståelse av redan skapad musikutövning.
Ändå är det värt att begränsa sig till flera viktigaste auktoritativa verk som till exempel för inte tidigare publicerades "Guide till den praktiska harmonin "av P.Tchaikovsky, som inte är upptagen med uppfinningar av vaga föreställningar som" tonalitet "och tvivelaktiga spekulationer. Speciellt skrev han:

" Det är viktigt att genom en grundlig förklaring s av rudiment bör vi skingra i början den vidskepliga vördnad som råder angående så kallad 'Theory' eller 'Thorough Bass'. "

Nämligen så kallad" teori ". Den stora bristen i etablerad musikteori är att den presenterar sig som bärare av eviga sanningar. I själva verket är den viktigaste delen av harmoniteorin om ackord och progressioner, som uppträdde genom spridning av nyckelinstrument och kan bli onödiga av ytterligare teknisk och vetenskaplig utveckling.

Nu datateknik och resultat om mänsklig musik uppfattningar som erhållits genom fysiologi och psykologi gör det möjligt att bygga musiksystem som är direkt orienterat på mänskliga förnimmelser av vetenskapligt verifierade musikkomponenter (berörda i harmoni), det vill säga; av melodi, dissonanser, grundläggande frekvens, mjukhet.

Alla har sin egen musikteori, ofta en för varje musikstil, och musikteori kan ibland ses som ett generativt språk.

Helst bör musikteorin förutsäga vad som kan komma efter, till exempel en viss följd av ackord: låta dig välja bland de 10 möjligheterna som tillåtits av musikteorin, istället för att söka efter nästa ackord en oändlighet av möjligheter.

Det finns något magiskt med musik, särskilt melodierna. Men den magiska delen av musiken (som är relaterad till fantasi, skönhetsbegreppet, mänsklig förmåga att drömma ..) representerar bara 40% av helheten, resten är algoritmiskt. Den algoritmiska delen, relaterad till grammatiska regler, är exakt vad musikteori handlar om.

Enligt min åsikt saknas en av dessa två delar av musiken: magi + algoritmisk kommer att göra dig oförmögen att komponera musik effektivt.

Teori informerar om kompositionens hantverk. Begränsningar i utvecklingen av hantverk kan begränsa musikerns uttrycksfulla potential inom kompositionskonsten.

Komposition som hantverk : virtuositet utvecklad via musikteori som generaliseringar, beskrivande regler och mönster för stil, teknik och metod; utveckla förståelse och excellens i praktiken (dvs. musik, juridik, medicin).

Komposition som konst : en praxis / process som existerar bortom teori, mätning och regler: fantasi , intuition, kreativitet, utforskning, nyfikenhet, estetik; medvetenhet om mening

Uttryckspotential i komposition och performance begränsas av:

1. Expertis inom hantverk: hur, vad;

teknik, teori, praktisk erfarenhet historisk medvetenhet om stilar, metoder, tekniker / teknik, analys, imitation, utförande, skicklighet, virtuositet, teknikutveckling, intellektuell utveckling; didaktiskt och erfarenhetsmässigt lärande; utveckling av uttrycksfulla medel (verktygslåda).

2. Konstnärlig utveckling: varför;

livserfarenhet, emotionell, perceptuell och estetisk medvetenhet, intuition , fantasi, insikt, nyfikenhet, innovation; en sökning efter mening och estetiskt uttryck bortom nuvarande gränser.

3. Inneboende / yttre faktorer: talang, intelligens, kreativitet, motivation, uthållighet, möjlighet, stöd etc.

AI (artificiell intelligens) kan generera musikkompositioner som är beroende av regelbaserade stilar, tekniker och teoretiska kompositionsmetoder (dvs. aleatorisk, stokastisk, algoritmisk, serialism, fuga). I allt högre grad replikeras och simuleras de regelbundna aspekterna av kompositionens konsthantverk (stilar, former, tekniker etc.) av tekniken.

https://ailabs.tw/human-interaction/ai-music-composition/

På sätt och vis visar AI-teknik de generativa möjligheterna för komposition som hantverk. Det är baserat på teoretiska modeller. Och detta belyser i ännu högre utsträckning många av de skillnader som existerar mellan hantverk och konstkomposition.