Mitt favorit rockin 'sound är ett bra gammalt Fender Rhodes, överdrivet så det börjar gå sönder när du spelar ackord eller när du verkligen gräver i en ton. Jag har spelat på ett par fester med just detta ljud, och det gör ett underbart jobb att "fylla rummet" som du säger.

När det gäller spelstil så tycker jag att det är mycket öppet att spela femtedelar hjälper. Jag har hört gitarristar kalla dessa Power Chords, och det rensar verkligen upp ljudet för att utelämna det tredje. För att ge lite karaktär använder jag ofta b5 som en krossnot på ackordets femte.

Du kan studera hur stora "guitar-ish" tangentbordssolister spelar: Jan Hammer med Mahavishnu Orchestra på en Minimoog, Jon Lord med Deep Purple på Hammond-orgel , och möjligen Keith Emerson och Rick Wakeman på Moogs. Jordan Rudess, med Dream Theatre (på alla möjliga syntar) förtjänar också framträdande omnämnande. Alla skulle säga i intervjuer att typen av tangentbordsljud eller synthesizer-patch inte var särskilt viktigt; allt var i formuleringen av hur de skulle spela dem. Och förutom att använda Hammond-orgeln, använde de flesta av dessa artister i stor utsträckning tonhöjningshjulet på en synthesizer för att härma strängböjningar i elektriska gitarrsolo, skapade på gitarr med fingrarna eller vibrato (whammy) bar. Jag känner inte till några exempel på att någon använder ett vanligt akustiskt piano om deras avsikt var att efterlikna gitarrspel.

Det finns en andra tradition av tangentbord i metall som studerar: Många 70-tal och 80-tals metalband skulle spela in nästan helt med trummor, bas och gitarr, men ändå anställa en keyboardist för live konserter. Många gånger var tangentbordsspelaren dold från scenen så att publiken inte kunde se dem. I de fall bandet bara hade en gitarrist, var tangentbordsspelaren inte bara skyldig att spela tangentbordsljud utan också att förstärka rytmgitarrljud på tangentbordet. Ofta valde tangentbordet för detta en Hohner Clavinet, ett elektriskt instrument (inte en synthesizer) som skapade sina ljud med hjälp av vad som i huvudsak var gitarrsträngar och gitarrpickups som spelades av en tangentbordsmekanism. Några musiker som uppträdde i denna egenskap var Claude Schnell med Ronnie James Dios band; och Adam Wakeman (son till Rick) med Ozzie Osborne. Jag är säker på att det finns många andra. Så du kanske hittar användbart material i live-konsertvideor av metalband från 70- och 80-talet, även om, som sagt, keyboardisten ofta är helt dold för publiken och kameran.

Du måste också studera hur ackord uttrycks på gitarren, vilket bestäms av instrumentets strängar. Som ett inledningsexempel, till en rockgitarrist, innehåller grundformen för E-dur-ackordet sex toner, medan A-dur-ackordet innehåller fem toner, men D-dur-ackordet innehåller fyra toner. Här är de exakta rösterna för de fem viktigaste ackorderna i öppen position som alla gitarrister lär sig och använder.

Om du använder någon annan röst för att spela dessa ackord på ett tangentbord, det kommer inte ihåg den gitarrs klang som lyssnarna är vana vid att höra.

Några bra kommentarer - för att sammanfatta och lägga till min egen twist:

När gitarren spelar streckackord är huvudnoterna 1-5-8 (FCF, etc.), en oktav med en femte i mitten. Keyboardists är frestade att kasta in en tredjedel. INTE! Två skäl - 1) gitarren spelar vanligtvis inte den tredje; och 2) om gitarristen felaktigt väljer major eller mindre (keyboardister är för smarta för att göra det misstaget), markerar du inte det genom att kollidera med dem. Eller om du är en slumrande keyboardist, sparar det dig från att behöva räkna ut "major eller minor?" om och om igen i farten. Detta är särskilt användbart när du spelar med personer du inte har övat med. Det är helt enkelt inte nödvändigt att spela ALLA noter att gitarren hanterar, och det är ofta bättre att inte göra det.

När du fyller i gitarrpartier med tangentbord har du många val. Du kan välja ljud som har attacker (Rhodos, akustiskt piano, klavinett, ...) och ljud som inte har det (organ, strängkuddar, fet sågtand a la "Jump"). Du har ljusa, framträdande ljud (klavinett, sågtand, ljust piano, Farfisa-orgel, full Hammond w / chorus / Leslie) eller mjukare ljud som bara lägger till vikt (Rhodos, Wurlitzer, fyrkantvåg, 888000000 Hammond w / no chorus / Leslie). Du kan kopiera gitarrernas rytm, du kan göra en motrytm eller bara spela power-ackord. Du kan spela i samma intervall som gitarr eller bas, vilket ger ett stort ljud och döljer tillägget av tangentbordet bättre, eller så kan du få ett mindre lerigt ljud och ett bredare ljudlandskap genom att välja ditt eget sortiment att spela i. När du byter ut en gitarr , välj ett ljud som har ett liknande attackhölje - ersätt strummade gitarrer med perkussiva attackljud, ersätt kraftackord med ihållande, plattare attackhöljesljud.

På en liknande ton är det bästa du kan göra att välja när du INTE ska spela. I popmusik är kören nästan alltid "större" än versen. Försök bara spela på kören eller använd ett tjockare ljud på kören. Myten är att "mer är bättre". Sanningen är att "kontrasten är mer intressant". Att inte spela på verser är det enklaste sättet att uppnå det. Förutom att du måste ta reda på vad du ska göra så ser du inte obekväm ut medan du inte spelar.

Solon - keyboardister lär sig stora och ibland mindre skalor i pianolektioner. Sedan tillämpar de det på solon. NEJ! Lär dig att spela som gitarristar. Använd blues och pentatoniska skalor, lär dig lägena Dorian och Mixolydian. Ställ ditt tonhöjdsböjhjul till ett helt steg till en mindre tredjedel för strängböjningar (böj upp), eller så kan du ge det mer räckvidd för whammy barer (böj ner). Pitchböjning motsvarar en gitarrist som böjer en sträng. Strängen går vanligtvis sönder om den böjer sig mycket längre än en mindre tredjedel, så överskrid inte gitarrens begränsningar. Lyssna på vilka toner i skalan gitarristar gillar att böja, och hur mycket. Detta är inte en hård och snabb regel, men det är ofta en säker satsning att böja från en ton i en skala till nästa. Här är ett tips som du inte ser överallt - kombinera Mixolydian och durblues eller Dorian och minorblues. Med andra ord, lägg platt 3 till din Mixolydian och lägg platt 5 till din Dorian. Detta sparar dig den mentala ansträngningen att hoppa fram och tillbaka mellan ett läge och en skala. I bluesiga sammanhang, prova Dorian och mindre bluesskalor.

Artikulering - Jag har svårt att övertyga vissa gitarristar om detta, men jag lyckas mest med att lägga till eller byta ut gitarrpartier om min artikulation är på plats. Jag placerar det INNAN jag väljer den lapp som kommer närmast en viss gitarrpartis ton. Jag överger vanligtvis "Wall of Sound Marshall" -plåstret för piano eller orgel eftersom de tenderar att vara mer lyhörda (på ett naturligt, inte "programmerat" sätt) och kan ofta uppnå gitarrens "musikaliska syfte" i låten bättre än en samplad / modellerad gitarr patch. Så ditt jobb är att välja en lapp med ett attackhölje och spelrespons som låter dig bäst duplicera jobbet som gitarr gör. Är din stacatto lika med gitarrens längd och skärpa? Är svansen på dina ihållande toner ungefär gitarren?

Slutsats - börja med mjukare, mindre påträngande ljud och ackompanjemang, och väx sedan till mer framträdande ljud och mer aktivt spelande när du växer i din känsla av vad som fungerar och vad ditt band tål. Poängen är att få dem att låta bättre, inte att böja sig i tillbedjan för din rigg och spela skicklighet.

Det har funnits flera PC-baserade virtuella instrument som har försökt att göra det möjligt för en keyboardist att efterlikna spelningen av en rytmgitarr genom att "mappa om" ett tangentbordsljud (en stängt positionstriad) till de typer av ackordljud som används på en gitarr, och sedan använda syntes eller sampling av gitarrljud i samband med programmering för att ge automatisk arpegiering. Tre produkter som jag känner till är:

Applied Acoustics Strum

Musiclab RealGuitar

Indiginus Torch

Jag har ingen personlig erfarenhet av dessa; Jag har precis hört deras ljuddemos.

Dessutom är datorbaserade tangentbordsspelare idag förtjusta i att skicka sina tangentbordsljud genom gitarrförstärkarsimulatorer och gitarrförstärkare-effekt-simuleringar, som de som finns i Apple Logic och IK Multimedia Amplitube, för att förmedla egenskaperna hos rörförstärkare och distorsion, som är associerade med rockgitarrljud, till tangentbordets instrumentljud.

Jag har spelat i många band och spenderat år och år på att perfekta toner och spelstil för att blanda med olika gitarrpartier eller ungefärliga (men inte simulera) olika rader. Jag har till och med ett gäng ganska exakta gitarrkorrigeringar när de matchas med förstärkarsim, känner bara att jag tappar en SG (jag gjorde det i ett band utan gitarrer och ingen märkte det riktigt). MEN ... den heliga gralen är inte att låta som om du försöker bli gitarr. Först, stå upp och skrika "JAG ÄR EN F *** ING KEYBOARDIST!" sedan sitta ner och gå till jobbet.

Det finns många olika typer av gitarrspel, och jag tycker det är en underbar utmaning att försöka approximera dem (eller slå dem). Vissa lämnar sig lättare till tangentbord än andra.

Gitarrsolo och lead? Lätt. Vi knäckte det för ÅR sedan. Av alla saker är min helt hjälte för "gitarriska" tangentbordsledningar Derek Sherinian (tidigare Dream Theater). Lyssna på hans material från Falling into Infinity som "Lines in the Sand", det albumet kan få en dålig rap, men han är en absolut MASTER för att ha ett stort grepp om bombasten och karaktären som stora gitarrister får sin känsla av: bluesy bends, pentatonics, wah-pedaler, feedback osv. men han kastar inte bara en skitgitarrklapp genom en Marshall heller. Han har noggrant utformade sågkablar som löper genom wah- och amp-sims som fortfarande skriker "Jag är en synthesizer!", Men är smutsiga och stenhårda. Jon Lord är naturligtvis en annan fantastisk en, med en B3 genom en Marshall JCM800 samt möjligen det mest snyggaste elektriska piano som man känner till! Eddie Van Halen blåste naturligtvis alla bort med sina tangentbordsledningar och förtjänar lite seriöst erkännande. Leads är enkla, ha kul! Men lika mycket som jag älskar dem: Rick Wakeman, Keith Emerson, Tony Banks och Kevin Moore ... fantastiska tangentbordsspelare med fantastiska synth-leads, men de försöker verkligen inte nå smutsen som kommer ut ur en gitarrledare .

Metalrytmdelar? "Chugga-chugga"? Vi har knäckt den också. Jon Lord, händer nedåt. Hammond kan ha varje bit som en överdriven Gibson. Men håll dig borta från Leslies om du planerar att kasta hornen (ingen ordlek avsedd). Kör den genom en Marshall, Orange eller någon annan metallförstärkare och hoppa över rotorn. Hammond har en galen attack på grund av deras slagverk, samt ett elektroniskt "klick" som är en biprodukt av tangenten som trycks ned. Detta gör ett bra jobb med att uppnå det enorma slag som en palm-dämpad rytmgitarr har. Det enda man måste vara försiktig med är att organ har konstant hållbarhet, gitarrer inte. Så längre toner kommer att vara mycket uppenbarligen inte gitarriska, varför det är lätt att ta en metallgitarrists roll, men grunge är inte det.

Här börjar problemen: ren (isn) gitarr, eller ännu värre, arpeggiated ren gitarr. Mjuk rock, 90-talsrock osv. Icke-metall, jag känner inte till en tangentbordsteknik eller ljud som kan göra det rättvisa. Clavinets kan fås att låta precis som gitarrer (de är i princip samma sak på insidan, en plockad sträng), men jag känner nästan att det är fusk, alla kommer bara att tro att du använder ett dåligt gitarrprov på ditt bräde, om du inte har en riktig klarinett där. Rhodes och Wurlis har alla fel, även om de har ett vackert ljud helt eget, är deras slagverkangrepp alldeles för rena och klockan gillar att låta som en gitarrattack, och uppnår bara inte rätt ton.

Jag skriver detta eftersom jag kämpar för att räkna ut en anständig del för rytmlinjen (inte Slashs del) på "Sweet Child o 'Mine". Har varit på det i timmar, jag har provat överdrivna pianon, rhodos, wurli's, synths med alla olika förstärkare. Men det är ganska svårt att hitta något med en liknande attack som en gitarr och förfall för att spela de grymma men ändå inte chugging rytmpartierna.

Du måste vara medveten om att det att spela ett provbaserat tangentbord på "overdriven gitarr" kräver annorlunda röstning än att spela en overdriven gitarr. Anledningen till det är att med en gitarr appliceras overdrive efter att kombinera strängarna medan med ett provbaserat tangentbord samplas "overdrive" innan kombinerar strängarna .

Som ett resultat kan du stapla fler toner i ett tangentbordsliknande ackord utan att bli oigenkännlig. Om rock power ackordmushen är vad du faktiskt är ute efter, kan det vara mer meningsfullt att välja ett "rent elgitarrljud" på tangentbordet, ta bort alla spår av efterklang och djup och vad som helst, och mata klaviaturen till en typisk gitarrförstärkare med overdrive, gitarrförstärkare (eller förstärkarsimulator) och sånt. Med den typen av installation är det mer sannolikt att du får fingerkraftkord för att bli rockmaterial snarare än syntet.

Det är en hel del ansträngning för något som är något närmare den riktiga saken. Det kan vara mer meningsfullt att lära sig gitarr.

Eller bara inte överbelasta äktheten och spela tangentbordet som ett tangentbord och acceptera "tillräckligt nära" typ av "rockgitarr" -ljud.

Jag håller definitivt med att sätta förvrängningen ovanpå ett rent ljud. Enligt min mening är det 101 av nästan alla tongenerering. Att "baka in" förvrängningen är det som resulterar i alla dessa fruktansvärda "general midi" -gitarrer från 80-90-talet som du hörde i videospel. Förvrängningen i en gitarr resulterar i stor utsträckning i det harmoniska samspelet mellan samtidiga toner, särskilt kraftackord; ju fler toner skapas exponentiellt mer övertoner genom distorsionen, och spelare använder det för att förbättra dynamiken i deras rytm och ledningar.

I så fall experimentera med alla olika typer av traditionella tangentbord: akustisk piano, elektroakustiska pianon och orgel, och sätt olika typer av distorsion / förstärkarsim på dem och ta reda på vad som fungerar bäst för delen. Ibland är överdrivet piano spektakulärt elak! Bandet Muse använder ofta akustiskt piano med lite "rörvärme" för att skapa tjocka, dunkande linjer, med stor effekt.

Synter är en annan sak. Traditionella "subtraktiva syntar" och samplers som Mellotrons, börjar med harmoniskt rika toner, inte helt olik distorsion. Att lägga till snedvridning på en sågtand, till exempel, förändrar inte riktigt känslan av det så mycket, till exempel.