Transkriberar du andra spelares solo? Jag tycker att det här hjälper mig mycket, särskilt när jag transkriberar icke-gitarristars solo. Klichéerna och idiomen på andra instrument är helt enkelt annorlunda än på gitarr, så det kan hjälpa till att se melodin från ett annat perspektiv. I synnerhet trumpeter och saxofoner sitter i ett liknande intervall som gitarr men har helt olika spelstilar.

För att få ut det mesta av att transkribera solo, här är några punkter som jag tycker är viktiga:

Välj solon du älskar, men som du kan lära dig. Jag älskar till exempel att spela blues och jag vill utöka min repertoar av bluesidéer, men jag transkriberar inte Stevie Ray Vaughn solo. Jag älskar Stevies spel, men jag kan inte lära mig mer av det. Han spelade exakt vad jag skulle ha spelat, om jag bara kunde spela bättre. Detta är inte för att ta bort något från Stevie, som faktiskt spelade bättre än jag, utan bara för att påpeka att jag inte kommer att lära mig mycket av en Stevie-solo som jag inte redan känner till.

Å andra sidan transkriberade jag precis Oliver Nelsons solo på " Stolen Moments", från hans skiva Blues and the Abstract Truth (hans solo börjar kl. 4:14 och går till cirka 5:54). "Stolen Moments" är också en blues, och Wikipedia beskriver hans solo i den som "innehålla [ing]" möjligen den mest kända "användningen av den förstärkta skalan i jazz." Jag visste inte att när jag började transkribera den (jag letade bara upp Wikipedia-sidan när jag skrev det här), men jag visste att den var vacker, lyrisk, spökande och helt annorlunda än vad jag skulle ha tänkt på .

Få det rätt. Inte bara anteckningarna, utan också tidpunkten och böjningen. Skaffa lite programvara som saktar ner musiken utan att ändra tonhöjden och ger dig mycket skrubbning och looping-kontroll. Jag har använt både Amazing Slow Downer och Capo, och båda är väldigt bra.

Att få rätt tidpunkt är särskilt svårt för mig, men det finns mycket att lära sig där. Jag har en tendens att överspela och rusa, och tvingar mig att absolut spika tidpunkten på, säg, en Miles Davis solo har lärt mig mycket om att koppla av och stanna i och bakom fickan. Böjningen är inte lika svår för mig, men ibland är det svårt för mina elever. De verkar inte höra saker som nådanteckningar, diabilder, böjningar, vibrato, etc., den typ av saker som ger solon sin sångliknande kvalitet.

Skriv ner den. Detta är viktigt på så många nivåer. Det kommer att förbättra din läsning, förbättra din kunskap om greppbrädan, och det kommer verkligen tvinga dig att kämpa med tidpunkten. Börjar den frasen verkligen på 'och' av 3? Hur lång är den pausen? Jag trodde att det var sextonde noter, men om de är det, så antecknar inte den här åtgärden upp till fyra kvartal. Hm.

Att skriva ut solo hjälper också till med analys. När du väl har skrivit ner det går du tillbaka och skriver ackordsymbolerna över staven när de förekommer i låten. Analysera sedan solo för att se hur tonerna och fraserna fungerar med ackorden. Om du verkligen vill gå nötter med detta, lyssna noga på ackorden som de andra spelarna faktiskt spelar snarare än ackorden i diagrammet --- de kan använda ändringar och byten, och solisten kanske spelar av dem.

För att vara trubbig: om du känner solo, skriv ner den. Om du inte kan skriva ner det känner du inte ensam solo.

Visdom från Miles. Miles sa berömt om solo, "Spela vad du hör, inte vad du vet." Med andra ord, när du är ensam, tänk inte på förstärkta vågar och mindre sjunde arpeggi. Lyssna istället på vad som finns i ditt hjärta och huvud, och spela det. Lättare sagt än gjort, uppenbarligen, men det här är exakt hur transkribering hjälper mest: det tränar ditt hjärta och huvud för att höra idéer som du annars inte skulle ha, och det tränar fingrarna för att utföra bättre vad du hör.

Jag tror att det här är ett vanligt problem med gitarristar, vi alla någon gång stöter på detta. Några av de saker jag har lärt mig att driva förbi är följande:

Stränghoppning

Stränghoppning är en bra sätt att blanda ihop dina skalkörningar, det är en bra idé att hitta ett mönster du gillar ljudet av och försöka flytta det, att applicera detta på arpeggios är lika intressant. Här är ett enkelt mönster som upprepas över två oktaver i B-moll:

  $ 6,7 $ 6,10 $ 4,7 $ 4,9 $ 4,9 $ 4,12 $ 2,10 $ 2,12 

Tips : det kanske låter trevligt att släppa den upprepade B (9) och glida in i den istället.

Intervaller

Det finns en hel del sätt du kan använda intervaller för att få intressanta ljud, en idé är att ta en skala och bestämma att du ska spela det med anteckningar exakt x antal mellanrum.

Så du kan välja att spela Dorian-läge med anteckningar med 3 intervall från varandra, detta kan gå som följer; [1-4] [2-5] [3-6] [4-7] [5-1] och så vidare genom oktaverna. Eller så kan du ta ett avsnitt av detta säga [1-4] [2-5] och flytta mönstret uppåt en oktav som upprepar mönstret.

Det är en bra idé att öva detta med olika intervallavstånd och i olika tangenter / lägen, det är också en bra idé att göra dig själv till ett backing-spår att spela över. Här är ett exempel på hur du använder anteckningar med 5 intervaller i b-moll:

  $ 4,9 $ 3,11 $ 4,9 $ 4,7 $ 3,9 $ 4,7 $ 4,5 $ 3,7 $ 4,5 $ 4,4 $ 3,6 $ 4,4 $ 4,2 $ 3,4 

Du kan spela detta på vilket sätt du vill; men jag har hållit detta på de två strängarna eftersom det låter trevligt att skjuta det här. Det är också ett annat mycket trevligt sätt att komma runt nacken. Testa detta med olika intervallavstånd.

Det finns en liknande idé till detta men att använda arpeggios i detta svar gav jag.

Det här är den typen av saker Paul Gilbert gör mycket, jag föreslår att du tittar på några av hans videor på Youtube.

Alternativa skalor / arpeggiomönster

Det är också en bra idé att försöka hitta flera platser och fingeravtryck för att spela samma skala, vissa fingeravtryck lämpar sig för vissa sätt att spela , detta kommer också att öppna din kunskap om greppbrädan vilket naturligtvis kommer att leda till mer musikaliska idéer och flexibilitet.

Som med allt annat, var noga med att formulera dig när du använder dessa idéer.

Här är ett musikprov Jag skapade för att följa detta svar; det innehåller idéerna i det här svaret (stränghoppning och intervall) blandat med körningar i rak skala och lite frasering.

Efter att ha läst din kommentar till @ johnnysims svar, tror jag att du verkligen behöver är öronträning och sjunga med din övning; välj en ton och försök gissa ljudet från en annan ton i samma skala innan du spelar den. Det kräver mycket träning men så småningom kommer du att kunna spela vilken melodi du har i åtanke.

Ett bra alternativ till att bryta ut linjära skalor är att använda arpeggioer. Det första steget är att kunna spela ackordtoner för en ackordutveckling. Så i en utveckling i nyckeln till E-moll som går till exempel Em Am, kan du improvisera med en Emin-triad (E, G, B) över Em och en Amin-triad (A, C, E) över Am.

När du är bekväm med att visualisera dessa ackordtoner i nacken och spela det i takt med progressionen, ta det ett steg längre och spela en Emin7 (E, G, B, D) över Em, och en Amin7 (A, C, E, G) över Am - dessa extra toner kommer att lägga mer färg till dina linjer.

Jag har en blogg om detta tillvägagångssätt som visar mig spela över en mer komplex progression med tab : http://guitartreats.blogspot.com/2010_07_01_archive.html

Om du känner dig äventyrlig, kan du gå ett steg längre och börja lägga andra arpeggier: spela en Gmaj7 (G, B, D, F #) över Em och en Cmaj7 (C, E, G, B) över Am för att skapa ännu mer intressanta linjer.

Något som jag lärde mig som hjälpte mig att bryta ut ur skalan var att behandla tonerna på en skala som ett mål snarare än ett krav. Till exempel kan du spela mönster runt G-durskalan och bara landa på tonerna på den skalan för att frigöra spänning. Som ett exempel har jag en stigande slicka där jag gör 2 och 3 noter hammer-on / pull-offs där rotnoten för "fladdret" är en anteckning i den pentatoniska skalan. När du kommer upp 6 eller 7 steg upp har du byggt upp en hel del spänningar som du kan gå ner igen med en mer traditionell skala.

Dude, sång handlar om melodi, inte om skalor och arpeggioer. Börja med melodin och njut av den. Försök inte mekaniskt lägga till förväntningar etc. Låt det bara komma in i ditt sinne tills du känner var du vill lägga till dina saker. Varje "metod" är bara ett annat sätt att komma in i en annan "rut". Soloing är bara att spela med melodin, annars är det tråkigt och onaturligt. Och behåll spåret. Tommy Emmanuel har till exempel denna otroliga talang att ta en melodi och utveckla fantastiska saker med den. Han läste inte ens musik och jag var i en masterclass när han faktiskt frågade publiken "Jag vet inte hur detta ackord heter" ... De flesta av oss kände ackordet, men det fanns ingen som kunde spela bättre än Tommy.

Så du tränar skalor och arpeggier men kan inte göra någonting med det? Men vad gjorde du inte hela tiden? Vad sägs om att lägga ner gitarr ett tag, sätta på dig Stevie Ray eller Django eller Holdsworth eller Hendrix vad du vill och bara lyssna .

Få den känslan för vad musiken spelar - hitta vad det handlar om att spela, oavsett om det är en känsla, ton, rytm eller en viss sekvens av toner - och internalisera det, öva det, behärska det. Gör detta upprepade gånger och outtröttligt för att du älskar det och inte kan hjälpa det. Uppenbarligen, om du vill bli gitarrist, beror det på att du älskar gitarren och musiken, inte för att du vill bli nästa -host- Richie Sambora. -hack-

Analysera inte det. Clapton ombads en gång om det viktigaste rådet för gitarrspelare och han svarade "lyssna så mycket du kan". Glöm arpeggioerna och lägena ... lyssna på några enkla bluesstycken och spela upp dem med känsla. Ibland måste du spela samma linje hundra gånger för att få en unik uppfattning om den. Detta är inte så uppenbart som det låter men det är ett mycket givande tillvägagångssätt och enligt min mening den enda som skiljer papegojorna från de riktiga gitarristarna.

Sjung vad du spelar. Spela sedan det du sjunger. Du behöver inte sjunga exakt, men det kommer att förändra hur du väljer dina toner och rytmer.

Mitt svar kommer att vara Blues-baserat:

a) Försök med frasering av samtals- / svarstyp. Det betyder att du istället för långa legato-linjer kan försöka demontera din förkärlek för att få små "konversationer" en la Blues. Spela en fras - som en kort B.B. King stil 1 bar slick. Svara sedan på det med en fras som är helt annorlunda rytmiskt och melodiskt .

En sak extra du kan göra är att "byta" formuleringen. Om det första samtalet är en fras som låter bra kan du svara genom att upprepa frasen men kanske en oktav högre / lägre eller kanske i en harmonisk motsvarighet.

I grund och botten - detta tvingar dig att medvetet spela annorlunda. Självklart kan du fortfarande gå igenom i en arp här och där - men det börjar skära upp din skalära körning till små "mänskliga" rösttypsatser.

b) Al Di MeolaRhythms. Istället för den vanliga legato-stilen 16: e och 32: a noterna. Kasta igen avbrott och vilor. Applicera accenter på offbeats. Etc. Di Meola är ett stort inflytande på mig angående detta. Det kommer åtminstone att göra att dina skalära körningar låter "annorlunda" till att börja med.

c) Spela inte alls. I ett solo-avsnitt - hur långt kan du gå utan att spela någonting? Måste du fylla varje bar med ett solo? Vad sägs om att bokstavligen stoppa. Detta kan ge några kreativa alternativ. t.ex. Om du vet att du kommer att sluta - spela en spänningsbyggande slicka. Om du bestämmer dig för att spela 2 staplar, vila i 3, du kan försöka formulera en fras som är lämplig. (av någon anledning har jag ett latinskt samba-slag i mitt huvud när jag skriver detta).

d) Försök att efterlikna hornspelare. Saken med hornspelare är att deras kraft kommer från andetag. Därför kommer de att ta slut och måste vila! Försök och gör detsamma. Detta är en annan variant av (b). Men den andra dynamiken är att artikulationerna är olika. Återigen ... eftersom deras linjer inte är baserade på "gitarr" - att efterlikna deras körningar kan ge dig några nya fraser.

e) Sjunga Jag tror att detta var täckt av en annan tråd, men att sjunga med till dina solo kan hjälpa dig att låsa upp några kreativa juicer. Du kan antingen sjunga medan du spelar. Eller sjung en fras och spela den. Det senare är definitivt svårare - och det är åtminstone inte "gitarr" i sitt ursprung så du kommer inte omedelbart att falla tillbaka i ditt spår.

Hoppas att de hjälper

Lite sent till festen, men här är några saker som har hjälpt mig:

1) Fokusera på små "lådor" med tre eller fyra tätt placerade toner på greppbrädan. Tänk på dem som hanterbara bitstorlekar. Ta exempelvis från C-dur pentatonisk: - C vid A-strängens tredje band - D vid A-strängens femte band - E vid D-strängens andra band - G vid D-strängens femte band

... Ta de fyra tonerna och behärska dem. Dvs spela varje enskild ordning av dessa toner. Utforska olika rytmer för beställningarna. Vad händer när du spelar två av tonerna samtidigt? Försök att byta vilken du anser vara "roten" där du löser dina melodiska fraser. Vilka olika genrer kan du uttrycka med dessa fyra anteckningar? Vilka fingrar fungerar bra? När du känner att du vet allt som finns att veta om den lådan och har muskelminne för varje tänkbart mönster (eller bara blir uttråkad av det), välj ett annat och upprepa. När du har ett par lådor letar du efter sätt att ansluta och överföra mellan dem.

Du kan ta samma tillvägagångssätt med hela skalor (Vilka olika former / banor kan samma skala ta på bandet? Hur ansluter / sammanflätas de?) Men de mindre rutorna verkar mer hanterbara för mig.

2) För att omformulera råden i andra svar om att lära dig de solo du älskar: Räkna ut hur man spelar en melodisk fras som kommer att tänka på. Dvs sätt dig ner och ta reda på hur du spelar 'Mary Had a Little Lamb' utan någon annan instruktion eller tips än du och din gitarr. Gör sedan "Ride of the Valkyries". Gör sedan "The Entertainer". Gör sedan 'On Top of Old Smokey', etc. etc. Du behöver inte få alla harmonier och orkestrering - bara huvudtemat när du hör det i ditt huvud och bara till din tillfredsställelse. Målet är att kunna översätta det du har i hjärnan till dina fingrar. Det kan också finnas något av ett allmänt språk i musik som har "stått tidens test" eller är rimligt memetisk - dvs låtar som alla känner (inklusive dina föräldrar / morföräldrar).

3) Don ' glöm inte artikulation i din övning / spelning. Exempelvis saker som strängbockning och vibrato. De är inte överdrivna eller svåra men de kan förvandla en mekanisk / robotfras till en mycket mer hjärtkänsla / mänsklig / uttrycksfull prestanda.

Många säger att du måste göra specifika saker, och efter tillräcklig upprepning kommer de önskade resultaten att hända av sig själva. Och de har rätt för det mesta. Att utveckla musikalisk intuition är ett mycket kraftfullt sätt att lappa ihop det emotionella centrumet med det rörliga / instinktiva centrumet. Men för någon som har intellektualiserat mycket av musikteorins innehåll blir detta allt svårare. Hjärnan kan inte lita på tarmen för att ta hand om affärer. Så hjärnan fortsätter att titta över tarmens axel och orsakar störningar bara genom att vara där.

Det enda sättet att bekämpa denna "avdelning" är holism . Det är verkligen ett andligt problem. Spåren i ditt spelande är symptomatisk för ett spår i ditt liv (jag försöker vara filosofisk, inte elak. Det här är allt min åsikt baserat på extrapolering från din fråga Men jag kommer att säga det som ett faktum eftersom det gör tanken lättare att förklara. Som de säger i rehabilitering: Om det inte gäller, låt det flyga. ) Ta en paus! Gå till parken. Hitta en tjej, slå dig ner ... åh, vänta, tänk inte.

Du bör läsa om kreativitetspsykologi. Isaac Asimov, Howard Gardner, Carl Jung! Särskilt viktigt är "psykologiens topologi", de olika kombinationerna av de fyra funktionerna: intellekt, känslor, intuition, känsla. Du måste lära hjärnan att respektera och förstå tarmens verkliga förmågor.

Du kan också fortsätta att attackera det från den musikteoretiska sidan. Johann Fuxs * Gradus ad Parnassum "förklarar kontrapunktens regler. Detta är boken som Beethoven studerade. Och den mest fantastiska boken om musikteori jag någonsin har hittat är Viktor Zuckerkandl, Ljud och symbol. Den använder musikaliska exempel för att diskutera verklig filosofi . Tanken är att den individuella tonen själv, när den spelas i ett musikaliskt sammanhang, redan vet vad den ska göra. Musikteori är försöket att förutsäga vad den ska göra. Musikalisk intuition använder den parallella bearbetningen av det mänskliga nervsystemet för att approximera vad det ska göra. Och när sinnet, öronen och fingrarna börjar arbeta tillsammans blir den mänskliga organismen instrumentet och musiken "spelar sig själv". en marionett i Att vara John Malkovich .

Så sammanfattningsvis är jag både överens och oense med alla andra på den här sidan. Pröva deras förslag. Men om det inte fungerar, kolla ut några av dessa författare och gräva lite djupare. Utnyttja sinnet för att bryta strypningen av t tänker han.

Redigera: Med detta sagt tänkte jag på en tvättlista med saker att prova göra.

• Försök spela en solo med bara en ton. Du kan använda varierande dynamik (piano, sforzando, dämpad, övertoner), varierande struktur (rallentando, tremolo, staccato, rasgueado!), Varierande ton (ljus nära bron, söt nära halsen, konstigt tråkig nära centrum), * gunga -mot-a- * straight-beat, straight-up-a- swing-beat och synkopera, för att nämna några. Detta låter dig koncentrera dig på den rytmiska formuleringen.

• När du tittar på TV, spela med reklam. Prova att byta åttor med skrubbbubblorna. Du lär dig att snabbt hoppa i olika stilar.

• När du gör ett misstag spelar det två gånger! . Det får det att låta som du tänkt det första gången. Och andra gången får du inte samma sak som den första; så det låter som att det utvecklas, om än lite konstigt. Vid den tiden har dina fingrar dansat runt de okända tonerna i fråga tillräckligt länge för att tredje gången det låter som om du först föreställde dig det. Men publiken har blivit en del av upptäckten också!

• Slumpmässigt glida upp / ner en oktav, varhelst det finns plats. Eller andra intervall, för snabb byte av position och klang (om du byter position och behåller samma anteckningar måste du ändra strängar som kan ge en annan kant till samma melodiska fragment).

• Prova öppna inställningar och använd en bild. Lycka till med att försöka spela fina, jämna skalor. Du måste välja dina toner baserat på ackordintervall och välja vilket sätt du vill glida in i det (även om du stänger av glidningen måste det fortfarande vara en bekväm riktning).

Men det här är bara tekniker, och skalorna är bara grafpapper. För att måla en bild måste du måla en bild av något . Ta reda på vilken känslomässig aspekt låten saknar (för gråt-> lägg till aggression, för flytande-> lägg till skiljetecken, för melodisk-> lägg till rytm, för rytmisk-> lägg till melodi, för euphonious-> lägg till kaos). I den vanliga rock-sångformen går solo mellan andra och tredje versen. Detta är den "sammanfattande" delen av motsvarande euklidiska bevis. Solo är pojken Ödipus, uppvuxen på legenderna från första och andra versen och räknar upp hans litani innan han huggar av sin far (eller vilken oundviklig slutsats som den tredje versen har att erbjuda). Solon har ett musikaliskt syfte att rättfärdiga spänningen som uttrycks i de sista ögonblicken.

Och en sista bit av obetydlig visdom från Bill Richardson, bandchef på UMSL:

Music är mellan anteckningarna!

Han citerade antagligen någon, men sa aldrig vem.

Den mest mellan-noterna solisten genom tiderna är Louis Armstrong. (Men försök först med en ton, lyssna på Louis är otrogen!)

Soloing med en finger

Det är en väldigt enkel teknik men jag stötte på den här nyligen. Du väljer bokstavligen ett finger på din frettinghand - index sannolikt - och får bara använda detta finger.

Tanken är att det bryter ditt inrotade muskelminne av att spela skalmönster . Och det är nu inte lättare att följa skalan när det gäller fingerrörelser än att spela något annat.

Jag tycker snarare att det här är lite för enkelt för någon av din upplevelse?

Det här låter kanske dumt, men jag rekommenderar att du slutar improvisera ett tag (som en månad eller så) och fokuserar på att transkribera och spela komponerad (inte improviserad) musik efter örat. Det är svårt att ta tag i gitarr och inte improvisera om du är van vid det. Men vad jag tror händer när de flesta gitarristar improviserar är att deras fingrar tar över, och de börjar springa upp och ner på skalan eftersom snabba kewl-slickar är normen. Det är vad folk förväntar sig av gitarrister. Och det är vad de flesta av våra hjältar gör.

Jag personligen kan inte hindra mig från att improvisera (ja jag är en sådan hycklare) så jag flyttade till ett annat instrument och spelar sällan gitarr längre. Jag tycker att transkribering är mycket svårare än att improvisera, främst för att när jag improviserar tänker jag inte på varje enskild ton, jag bestämmer bara att jag ska flytta från den femte tillbaka till tonic utan att hoppa över några toner eller en arpeggio, eller använder det mönstret som jag använder hela tiden ... du får idén.

Jag tror att mitt problem är svaga öron. Om jag kan improvisera ganska snabbt men knappast kan transkribera enkla melodier från poplåtar, vad kan det annars vara?

Försök att tänka på skalorna i termer av intervall istället för mönster på gitarrhalsen. I The Advancing Guitarist är en övning att bara spela på en sträng. Det är en bra teknik för att kartlägga intervallen och avstå från att använda de välkända mönstren.

En annan sak är att spela runt (med skalor eller bara i allmänhet) på ett tangentbord. Jag tycker att jag mer naturligt skapar melodier där, medan det på gitarr är lätt att falla tillbaka i mönstren. Spela sedan melodierna på gitarr.

med en on the fly solo tycker jag att det verkligen hjälper att basera den runt standard pentatonics, därifrån kan du glida in och ut ur lägen / skalorna eller vad som helst när du vill.

jag tycker att det hjälper skapa en flytande tillförsel av melodier

Attityd !! Spela musik.

Nyckelordet är "Spela upp". När det gäller solon är det bokstavligt: ​​en låda med leksaker och lite tid att göra vad du vill.

Träningsvågar och arpeggios etc är större för fingerfärdighet och de kan utgöra en löpning eller riff du lägger i en solo, men jag tror att det inte är ett svar på "hur" att komma med en solo - mer hur man lägger till några imponerande twiddles (och inget fel med det! :-D).

Jag tycker att det är bra sätt att få lite inspiration är att bryta ut ur komfortzonen lite. Spela inte inom den "vanliga" skalan / mönstret. Spela något annat greppbräda mönster eller position som är lite svårt för dig eller ovanligt. För mig leder det normalt till rutter och melodier som jag normalt inte skulle ha kommit till om jag bara spelade den goda oljans pentatoniska etc. Det tjänar mig också bra att komma ihåg att allt jag gör är att göra ljud. Det finns inga regler. Så ibland spelar jag strängen så död att det låter som en trumma och går för en rytmsolo, eller bara låter den mata tillbaka och spelar med tremolo-armen, eller använder mikrofonstativet som en gitarrbild. Min poäng är inte "prova dessa", det är mer ... bryta mot normen.

Spela melodier som om du är sångaren. Ta en pop (?) -Låt och spela sångpartiet. Spela orden (typ etc). När du väl har hört låten får tonerna en bra känsla genom att böja sig upp till dem, olika vibrato och frasering. Tänk sedan på stämningen i låten, tänk på texterna. Spela sedan melodin i oktaver eller med en bild.

Du har antagligen fått mer råd än du kan använda, så jag kommer att vara kortfattad. Jag kommer till slutsatsen att oavsett vilken typ, stil eller period, införandet av halvstegsintervall i icke-skala i melodier gör skillnad i intresset som musik genererar för lyssnaren.

appoggiatura är bara en typ av dekoration i halvsteg, och den har sin tekniska definition. Låt oss bara säga att det handlar om att "luta sig" från en ton till en annan - från en icke-skalton till en skalton.

I blues hör du den mindre tredje böjningen till den stora tredjedelen hela tiden. Det är bara det mest uppenbara exemplet. Krydda dina solon med halvstegsintervall utan skala och se vad som händer.

Alla har gett några bra råd, men här är det med solon; de är melodier och melodier är konstruerade på ett visst sätt. Det är möjligt att räkna ut det på ett visst sätt bara genom att spela, men jag tyckte att det var mycket mer användbart att faktiskt förstå principerna för melodikonstruktion i förväg. När jag gjorde det förbättrades mina solon med stormsteg.

Så, vad är sättet att konstruera en melodi?

Jag ska inte återge den här, för den är för mycket information. Vad du behöver göra är att ta dig en kopia av "The Complete Idiot's Guide to Music Composition" och läsa kapitlen om melodi. De är den bästa texten i ämnet jag har hittat.

Du kan få boken på Amazon här.

• Lär dig hur du omharmoniserar låten, eller passagerna i låten, kringgående ackord, sekundära dominerande, kadens osv. Identifiera sedan toner i varje nytt ackord som du använder som mål toner i dittolos.
• Identifiera ackordet tonic för varje avsnitt i din låt. Lär dig sedan hur du använder en solo för att skapa detta ackord som upplösningens harmoni: närma dig det och lösa det.

Bra solor är en kombination av: frasering och val av måltoner. Måltoner kommer från ackorden; om du har en svag ackordprogression kommer du att ha en svag solo; en fin stark ackordprogression ger dig en stark solo.

Det här är en fantastisk liten övning: