I de allra flesta klassisk musik har spelaren i uppgift att spela exakt de toner som kompositören skrev. Det är inte särskilt viktigt för spelaren att förstå teorin bakom stycket, och ett stort antal klassiska spelare vet lite eller ingen teori (åtminstone tills de når vinterträdgården, om de går den vägen) och lider inte för det. / p>

Låt oss överväga den välkända pianosonaten från Mozart i C:

Och låt oss överväga att lägga till ackordsymboler till den:

Uppriktigt sagt tillför dessa ackordsymboler ingenting. Så vad händer om jag vet att den första åtgärden är C? Jag måste fortfarande spela anteckningarna som Mozart skrev. Det enda de gör är att distrahera mig.

Ansvarsfriskrivning: Jag utelämnar en massa säkringar om vad jag hänvisar till när jag säger "klassisk musik" nedan; tänk Bach eller Brahms

Det låter som om du kanske kommer från en pop / rock bakgrund och är bekant med, säg, gitarrflikar som ett sätt att notera strukturen på en låt. Andra svar har påpekat att:

• inom klassisk musik är notering nästan alltid (från Bach till idag) mycket exakt och märkning av ackord skulle vara överflödig; artisten spelar bara anteckningarna på sidan (förhoppningsvis konstnärligt)
• mest musik i den klassiska repertoaren kan antecknas med (ibland enkel, andra gånger mycket komplex eller tvetydig) ackordstruktur. Vi skulle kalla detta harmonisk analys , och det kan vara en kreativ process i sig (det är något du skulle studera mycket om du studerade musik på college)
• tänkte att bas var en praxis för att notera semi-improviserade delar, och liknar gitarrflikar i anda

Harmony och harmonisk analys är ett riktigt stort ämne men det finns ett par saker vi kan säga om populärmusik, harmoni och notering som kan vara till hjälp:

Först, förståelsen för vad ett ackord verkligen är och vad det gör är verkligen ganska annorlunda mellan populärmusik och klassisk musik (tänk Brahms, säg). En del av detta är lite tangentiellt för din fråga:

• i klassisk musik förstås ackord vara en sekvens av staplade tredjedelar med utgångspunkt från någon ton av skalan i tangenten vi bor i (eller en angränsande tangent, en sekundär dominerande ackord är en enkel exempel). Hur ackordets toner läggs ut över instrument eller oktaver (hur ackordet är uttryckt ) är vanligtvis ett sekundärt problem och påverkar inte i grunden hur vi förstår vad som händer harmoniskt i ett musikstycke. (det är inte riktigt sant: vi tenderar att märka ackordens inversion , det är den ton som finns i basen. Implikationen här är att, ja, ofta är ackordets grundläggande ton den lägsta anmärkning)
• relaterat kännetecknas klassisk musik av funktionell harmoni , det vill säga olika ackord vill starkt gå vidare till andra vissa typer av ackord (en IV "vill" gå till ett V-ackord, som vill lösa till jag, etc). Denna typ av drag stöder dramatiken och den emotionella dragningen i de flesta klassisk musik, och kompositörer litar på att lyssnaren har internaliserat denna typ av musikaliskt språk
• däremot tenderar populärmusik att vara mycket mer löst om hur ackorden förväntas uppträda; t.ex. både V - IV - I och IV - V - I är allestädes närvarande framsteg inom popmusik, men den förstnämnda skulle helt enkelt inte vara meningsfull i ett klassiskt stycke: det skulle vara som om luften bara läckt ut från en ballong. / li>
• På liknande sätt tenderar popmusik att använda en cyklisk ackordutveckling som upprepas var 4: e stapel säger; i allmänhet kan denna utveckling vara nästan vad som helst. Däremot tenderar ackordstrukturen i ett klassiskt verk att vara längre och mer oregelbunden, eftersom kompositören leder lyssnaren bort från tonic och tillbaka igen och spelar med sina förväntningar baserat på deras förtrogenhet med språket för funktionell harmoni
• Gitarrister tänker på ackord på ett idiomatiskt sätt, det vill säga på ett sätt som är nära knutet till själva instrumentets mekanik: t.ex. röstning är av förstklassig betydelse, nya "ackord" uppstår genom att behöva låta öppna strängar ringa och det ger en fin effekt osv. att pop- / rockgitarrister märker ackord skiljer sig på ett par viktiga sätt från det sätt jag skulle skriva ackord när jag analyserade ett stycke av Brahms (säg):

  Gitarristar (och även jazzmusiker, där jag tycker mycket av detta språk kommer från) ge etiketter till "ackord" som vi i klassisk musik inte tänker på som ackord. t.ex. "sus" ackord som ett "C sus4" eller vad som helst; i klassisk harmonisk analys tänker vi inte på detta som ett ackord; vi skulle kalla det en "C-dur ackord" och sedan prata om en suspension , det vill säga en non-ackord ton .

  I klassisk musik tenderar dessa upphängda toner att bli lösta ; de skapar spänning genom att vara på sin plats ett ögonblick. Implikationen är att lyssnaren hör ett C-dur ackord, och hör att det finns en dissonans. Däremot behöver de här ackorden inte passera eller lösa i popmusik, de kan bara sitta där och vara en intressant färg, effekt eller kanske spela med sånglinjen på ett intressant sätt.

  Det finns mycket språk i klassisk musik för olika typer av icke-ackordtoner , t.ex. passerar toner, appoggiaturas, etc. Om du analyserar Bachs 4-delade koraler kan du se alla dessa. Han använder till och med idiom som involverar en kaskad av upphängningar som passerar genom många ackord på komplexa sätt och där du inte vid något tillfälle kan ta ett vertikalt segment och hitta ett rent "oförfalskat" ackord.

  Poängen jag försöker betona är att en harmonisk analys av ett stycke klassisk musik (det är så vi skulle märka det med ackord) ofta handlar om spänningen mellan vad vi förväntar oss att höra som lyssnare och vilka toner som hörs, och ignorera i allmänhet hur ackordet uttrycks eller utelämna några toner som låter. Ibland finns det flera giltiga tolkningar.

  Jag är ledsen att det blir långt. Relaterat viktigt begrepp som borde vara högre uppe: kontrapunkt , det sätt som flera melodilinjer samverkar för att föreslå någon harmonisk struktur, dvs att bilda ackord och göra lekfulla saker inom den ackordstrukturen (icke-ackordtoner, ovan). Detta är vad du ser destillerat i Bachs koraler säger.

  Andra epoker och typer av bitar är mycket mindre tunga på kontrapunkt, t.ex. ett enkelt Mozart-pianostycke eller ett ackompanjemang från Schubert-låten kan ha en vänster hand som starkt beskriver ackordstrukturen i stycket och spelar arpeggio eller ackordets I och V. Det låter som om du är mest bekant med den typen av skrivning (och det är det som är vanligt i popmusik).

Vänd detta och fråga "varför är ackordnamn, snarare än personalnotationerna på tonerna i ackorden, så ofta används för skriven populärmusik och jazz men inte för klassisk musik?"

En typisk amatör runt lägereldens gitarrspelare läser till exempel inte musik, men om du ber personen att spela ett "C-ackord" vet han eller hon var han ska sätta fingrarna. Ackordnamn är det mest kortfattade sättet att kommunicera den minsta information som krävs.

Den professionella jazzmusikern, som möjligen använder en falsk bok, känner till många olika sätt att spela något av ackorden som anges med sladdnamnet och hur man använder den kunskapen för att improvisera på den harmoniska strukturen. Till den här personen är ackorden som ges ett förslag, inte något som är gjutet i sten.

Klassisk musik riktar sig / riktades till en befolkning av musiker som kan flytande läsa musiknotation. Det är också generellt skrivet med tanken att de exakta melodiska linjer, harmoni och instrument som kompositören tänkt kommer att användas. Det är inte 100% "gjutet i sten", eftersom all musik tolkas, men kompositören hade ett mycket detaljerat koncept och kräver ett mer detaljerat sätt att kommunicera det.

Ackord användes uppenbarligen; man behöver bara titta och lyssna för att se och höra det.

Men förutom Matts fantastiska svar är en annan anledning att sådan ackordmärkning inte alltid passar in i det förflutna. Det finns utdrag av Bachs polyfoniska musik, särskilt som inte alls bidrar till en sådan reduktiv analys. .

(Om det finns populärmusik skriven idag som är lika polyfonisk som Bachs, skulle jag vara nyfiken på att se hur de valde att notera den.)

Sättet att notera ackord och inversioner i barocktiden var som figurerad bas. Eftersom den notationen hänvisar till baslinjen och eftersom det harmoniska innehållet och inversionerna tenderar att förändras snabbare än dagens ackordbyten och noteras mer specifikt angående den avsedda inversionen, var tolkningen av det halvimproviserade ackompanjemanget mer lämpligt för tangentbordet instrument snarare än gitarrer, dagens primära mål för ackordnotering.

Tänkte att basen mer eller mindre gick ner med Bach eftersom han tenderade att stava ut allt uttryckligen snarare än att förlita sig på tangentbordsspelarnas improvisationsförmåga.

Du har redan fått några bra svar, men jag ville påpeka mer specifikt hur det bara att titta på ackord inte tillräckligt kan beskriva hur man utför stycken.

Förutsatt att "klassisk" musik avser all musik under den vanliga övningsperioden liksom under 1900-talet räcker det inte med ackord för att beskriva musik helt. Man kan hitta många exempel på detta under 1900-talet. Ett bra exempel på detta är Ligetis Nouvelles Aventures .

Henry Cowell, i Dynamic Motion , uppmanar att spela ackord som använder hela pianistens arm ( cirka 33 sekunder):

Som ett mycket mer extremt exempel, tänk om det inte finns några tonhöjder alls? Man kan också titta på Reichs Clapping Music :

Jag är förvånad över att ingen har nämnt trackermoduler och trackermusik än.

https://en.wikipedia.org/wiki/Music_tracker

Dessa typer av program användes för att skriva de stora TV-serierna och de klassiska videospåren på 1990-talet.

Om du tror att de klassiska kompositörerna som Bach och Mozart var ordliga i att specificera varje ton (istället för överförenklad ackord), trackermoduler tar detta paradigm till en ny nivå. En modul definierar en uppsättning sampel och sedan anropar själva spåret samplen när de behövs. Varje prov kan också associeras med effekter som kodas i separata byte, vilket effektivt dikterar tolkning också. Det enda problemet var att olika trackermodulprogram använde olika effektkoder, vilket innebär att en modul skriven för ett specifikt program kan förstöras delvis om en annan tolk användes.

Ackordparadigmet begränsar fundamentalt kompositören till en liten delmängd av möjlig musik. Från det jag läser är de två huvudsakliga överklagandena av ackordbaserade tillvägagångssätt enkelhet att komponera och ett brett öppet tolkningsområde, som båda lämpar sig lätt för modern scenkonst. Detta berättar förmodligen också varför jag har sett ökande klagomål (från musiker) i olika nyhetsartiklar genom åren att modern musik blir för original. Kort sagt, ackordmetoden har en låg skicklighetskurva - du kan skapa populärmusik snabbt och enkelt men "taket" på musiken du kan producera är ganska lågt jämfört med klassiska eller trackerbaserade metoder.

För dig som säger att musik som inte passar in i ett ackordramverk är gammaldags eller överdrivet specificerad, rekommenderar jag att du lyssnar på några av 1990-talets klassiker av kända tracker-modulartister som Alexander Brandon, Elwood och Purple Motion. Något du kommer att se mycket med det bästa av trackermodulartisterna är hur de väver samman minst fyra ljudkanaler (slagverk, bas och 2 huvudinstrument) - vilket utan tvekan drar gränsen mellan modernt "genomsnitt" (slagverk / bas / 1 huvudinstrument eller röst) och "riktigt bra" komponering. Att väva flera huvudinstrument eller teman tillsammans gjordes också under den klassiska eran (till exempel: 2-delade uppfinningar och 3-delade sinfonier).

Förr i tiden var du begränsad till fyra ljudkanaler (en artefakt från Commodore Amiga-datoråldern), kunde du inte ens göra ett fullständigt ackord parallellt över ljudkanaler eftersom du skulle äta 2 eller 3 av dem och lämna inget utrymme för mycket annat. Artister var tvungna att koda fulla ackord i sampel och åberopa dem. Ett exempel på detta finns i spårarmodulen "Space Debris" av en konstnär som kallar sig "Captain". Om du tittar på instrumenten i Impulse Tracker-versionen kan du se instrument som heter Chord1 Major och Chord1 Minor.

Jag är nyfiken på att se vad de klassiska kompositörerna skulle ha kommit på om de hade tillgång till modern digital audio workbench (DAW) eller till och med tracker-modulprogramvara. Jag skriver min egen tracker-stilmusik i en modern DAW och det är svårt att komponera med det komplexa 4-kanalsparadigmet ovan. Att skriva detsamma på ett program för karaktärsmätare är definitivt svårare, och det krävs ännu mer skicklighet för att komponera det på papper bara utan dator.